L’avènement de la polyphonie : quand le génie européen bouleverse l’histoire de la musique

« En toute hypothèse, le grand remplacement  ne peut être déjoué que s’il est doublé de parades évitant un grand remplacement musical. Les musiques venues d’ailleurs ne peuvent pas être harmonisées, ni chantées à plusieurs voix, elles ne sont pas faites pour cela. Le devenir de l’âme musicale d’un peuple est en jeu. »
Jean-François Gautier, La transmission par le patrimoine musical, 3^e colloque annuel de l’Institut Iliade, 18 mars 2017

L’Institut Iliade déroule avec vous la grande fresque du génie musical européen. Née dans l’éclat des chœurs médiévaux, nourrie par les maîtres de la Renaissance, épanouie dans la symphonie et le drame romantique, cette aventure est celle d’un peuple de compositeurs, d’interprètes et d’auditeurs unis par la même quête d’harmonie. Embarquez pour un voyage à travers les siècles, où chaque note résonne comme une étape de la mémoire européenne.

1. Anonyme(s ?) — Messe de Tournai (vers 1330-1340)

La Messe de Tournai marque la véritable naissance de la polyphonie en Europe. Composée au XIVᵉ siècle, elle constitue la première grande tentative d’unifier les différentes parties de l’ordinaire de la messe (Kyrie, Gloria, Credo, Sanctus, Agnus Dei) dans un cycle polyphonique cohérent. Jusque-là, chaque section était souvent indépendante, écrite à des époques et par des compositeurs distincts. Avec la Messe de Tournai, apparaît pour la première fois l’idée d’une œuvre totale, structurée et pensée comme un tout. Cette cohérence nouvelle traduit un bouleversement profond : la musique occidentale entre dans une ère où l’harmonie et la composition deviennent des arts de la construction, fondés sur la raison et la beauté formelle. C’est une véritable révolution dans l’histoire musicale européenne, annonçant les grandes messes de Machaut, Dufay ou Josquin des Prés.

2. Giovanni Pierluigi da Palestrina — Missa Papae Marcelli (1562)

Avec Palestrina, la polyphonie atteint sa pleine maturité. Héritier des maîtres de l’école franco-flamande, il en reprend les techniques tout en leur donnant une clarté et une souplesse nouvelles. Dans sa Missa Papae Marcelli, composée en 1562, il perfectionne l’art du contrepoint – ce dialogue savant entre plusieurs lignes mélodiques superposées – non plus pour la seule virtuosité, mais au service du texte sacré. Chaque voix semble respirer et se répondre dans un équilibre harmonieux, où la transparence du discours musical soutient la compréhension des paroles. On y perçoit des départs différés pour chaque voix, créant une impression de mouvement fluide et d’espace sonore, à comparer avec la Messe de Tournai où les entrées, plus groupées, formaient encore des blocs rythmiques compacts. Chez Palestrina, l’architecture devient lumière : la polyphonie se fait prière, claire, ordonnée, et pleinement au service du Verbe.

3. Henry Purcell — Didon et Énée (1689)

Avec Didon et Énée, Purcell porte l’art musical anglais à un sommet d’expressivité. Composée pour un pensionnat de jeunes filles à Chelsea, cette œuvre brève et poignante témoigne d’un équilibre rare entre rigueur baroque et émotion dramatique. Purcell y met la musique entièrement au service du théâtre : chaque ligne mélodique, chaque dissonance, chaque silence participe à la peinture des passions humaines. Sa richesse harmonique, d’une subtilité toute britannique, se déploie dans un langage raffiné où les tensions se résolvent avec grâce et clarté. L’ouverture, majestueuse et sombre, installe d’emblée une gravité tragique, tandis que la célèbre lamentation de Didon, « When I am laid in earth », au troisième acte, concentre toute la douleur du renoncement et la noblesse du désespoir. Par son élégance et sa profondeur, Purcell annonce déjà l’opéra moderne, où la musique devient le miroir des âmes.

4. Johann Sebastian Bach — Concerto pour hautbois et violon BWV1060 (1720 ?)

Bach est au sommet de l’art musical baroque : sa maîtrise inégalée du contrepoint sous des formes très complexes laisse pourtant une saisissante impression de légèreté et de facilité. Ses successeurs cherchèrent d’autres espaces musicaux estimant que Bach était indépassable dans l’art du contrepoint.

5. Wolfgang Amadeus Mozart — Symphonie n°40 k. 550 (1788)

Nous sommes à l’apogée de la période classique : synthèse de la légèreté mélodique, du contrepoint et de la maîtrise des grands ensembles orchestraux. Le génie de Mozart tient notamment dans l’impression d’agilité, de souplesse et d’aisance déconcertante qui donne à ses œuvres leur caractère singulier.

6. Ludwig van Beethoven — Concerto pour piano n°5 « L’empereur » (1805)

C’est la naissance du romantisme en musique : espace d’expression beaucoup plus personnel qui tend à se défaire de l’académisme classique. On remarque par exemple l’entrée en premier du piano, contre les usages du temps qui indiquent l’ouverture par l’orchestre. L’aspect éclatant de ce concerto lui a valu d’être l’avatar du style dit « héroïque ».  Attention, l’épithète « pour l’empereur », d’ajout postérieur, est trompeuse, Beethoven détestait Napoléon.

Pour la petite histoire, Beethoven improvisait lui-même au piano une grande partie de ses concertos dont il n’écrivait souvent que les structures. C’est la perspective de vendre ses partitions qui lui a fait les écrire.

7. Franz Schubert — Quatuor « La Jeune Fille et la Mort » (1824)

Schubert propose un sommet d’expression romantique avec une exploration intime et poétique de la mort traduite notamment par une grande liberté harmonique. Cette dynamique de composition originale et audacieuse tend à briser les repères harmoniques pour laisser l’auditeur dans l’instabilité, image de l’incertitude face à la mort. Par comparaison, Mozart ou Beethoven, eux, cherchent toujours à résoudre les instabilités crées.

8. Hector Berlioz — Symphonie fantastique (1830)

Berlioz compose une exploration romantique au service d’un récit halluciné, motivé par une déception amoureuse, et que sa musique porte de façon assumée. On y trouve de nombreuses audaces, instrumentales, orchestrales, rythmiques, harmoniques et formelles inouïes avant Berlioz, dans le 5e mouvement notamment, auquel le fameux Dies Irae sert de support dans une coloration néo-gothique.

9. Richard Wagner — Tristan und Isolde, Prélude (1859)

C’est un véritable choc harmonique avec entre autres la dissolution de la tonalité classique qui préfigure la modernité en musique. Ainsi, les premières harmonies du prélude, célèbres pour cette raison, ne correspondent à aucun accord clairement identifié et laissent un doute permanent sur le centre de gravité harmonique. Dans sa volonté de restaurer un imaginaire dramatique local et pré-chrétien, Wagner est également dans l’esprit des nationalismes artistiques du XIX^e tels Verdi, Dvorak, Tchaïkovski ou Berlioz.

10. Claude Debussy — Prélude à l’après-midi d’un faune (1894)

C’est la naissance du modernisme : couleurs sonores libres, nouvelles formes harmoniques puisées dans des traditions musicales exotiques ou très anciennes, discours libre et suggestif, aucune forme identifiable. Cette pièce esthétiquement révolutionnaire est inspirée du poème éponyme de Mallarmé qui est également un geste exploratoire des possibilités du langage.

11. Erik Satie – Gymnopédies (1913)

Satie recherche au-delà des règles classiques de la musique et se met au service d’une poésie très intime. Si Debussy fait écho à Mallarmé, on peut sans doute rapprocher Satie d’Apollinaire.

12. Olivier Messian – Quatuor pour la fin des temps (1941)

C’est l’héritage de Debussy qui est poussé plus encore tout en restant dans la tonalité (c’est à dire respectant une sorte d’équilibre fonctionnel, même mouvant, entre les notes et les harmonies). Messian, inspiré par une forme de mysticisme religieux, fait de nombreuses explorations musicales, comme les rythmes non-métriques observés dans la musique hindou. Cette originalité est également commandée par les circonstances : sa pièce est écrite en Stalag avec des instruments de fortune et les musiciens présents. Un trait d’esprit dit de Messiaen qu’il compose une musique de chrétien et non pas une musique pour les Chrétiens.

13. Arvö Part – Fratres (1977)

Arvö Part marque le retour de l’esprit musical médiéval assorti de l’héritage moderne. Il propose une musique très introspective et résolument tonale marquée, là encore, par une profonde piété.

Illustration : Angelot jouant du luth, par Rosso Fiorentino (détail), vers 1520. Galerie des Offices. Domaine public.